Gramophone January 2019

这篇专题文章聚焦冰岛作曲家安娜·索瓦尔德斯多蒂尔，重点介绍她独特的创作手法和主要作品。索瓦尔德斯多蒂尔在将音乐传统记谱之前，会先用铅笔绘制草图作为创作辅助工具，以此“标记作品走向”。她的音乐从冰岛自然中汲取灵感——无论在美学还是结构上——她家乡的根茎意象影响了作品的有机发展。她的管弦乐作品，特别是获得2012年北欧理事会音乐奖的《梦》（2008）和《翱翔》（2011），展现了她对乐队织体的自信把握，利用乐器自主性的原则来创造统一的编织纹理。索瓦尔德斯多蒂尔通过四分音和噪音音乐扩展了她的音乐语汇，而《霜》（2009-10）等小型合奏作品和《光谱》（2017）弦乐三重奏则揭示了她大型作品中同样的创作过程。目前定居伦敦的她，拥有冰岛交响乐团驻团作曲家身份，也是纽约爱乐乐团克里拉斯新兴作曲家项目的入选者，持续发展她那融合宏大氛围、色彩深度和技术创新的独特音乐语言。

本文是《留声机》杂志对钢琴家费德里科·科利的访谈，探讨巴赫-布索尼夏空舞曲，这是最受推崇的钢琴改编曲之一。科利从神学角度看待这部作品，认为布索尼认识到巴赫原版小提琴作品深刻的灵性内涵，并创造了理想的钢琴媒介来展现这种超越精神。他将布索尼的方法与勃拉姆斯左手改编版进行对比，后者更强调内容与表现形式之间的挣扎。科利将自己的艺术愿景归功于米凯兰杰利1948年的标志性录音，他形容这让他突然清晰理解了这部作品，同时也受到普莱特涅夫卡内基音乐厅演奏中出色音质的启发。在整个对话中，科利强调布索尼详细标记的重要性——突强音、持续音、速度指示——以及仔细研究乐谱如何揭示作曲家的灵魂。他讨论了自己的诠释选择，包括拉宽节奏、达到极致的动态范围，以及决定以D大调而非D小调结尾，将其视为拥抱我们世界之外的另一种可能性。

《定义时刻》是《留声机》2019年1月专题，记录了一位早期音乐先驱的关键人生节点。文章从1943年在维也纳学习小提琴和中提琴开始，师从恩斯特·莫拉维克，随后在巴黎跟随菲尔明·图什深造，并兼修音乐学（1951‑53）。1946年，他加入奥地利音乐学家约瑟夫·梅尔廷的Collegium Musicum乐团，担任首席；1949年与尼科劳斯·哈农库特等人共同创立维也纳低音维奥尔琴四重奏。1955年迁至瑞士，先后领导新苏黎世四重奏并担任苏黎世和温特图尔乐团的中提琴首席，同时继续随亚历山大·沙伊切特和彼得·里巴尔进修小提琴。1958年受聘为维也纳音乐学院的小提琴、巴洛克小提琴和中提琴教授，开设关于弦乐演奏风格与诠释的讲座。1965年，他创办了维也纳学术乐团（Vienna Capella Academica），这支小型巴洛克乐团通常由他担任第一小提琴领奏，标志着其首次为德意志留声机公司（DG）Archiv系列录制唱片。文章的时间线展示了一位从学术深造到教学、乐团创建的完整艺术轨迹，凸显他在历史演绎复兴中的重要地位。

本文介绍了奥地利小提琴家和中提琴家爱德华·梅尔库斯，他于1928年出生在维也纳附近的巴登，在撰写本文时即将迎来90岁生日。作为维也纳学派的杰出代表人物，梅尔库斯以独特的富有感染力的音色和亲切的风格著称。他出身于一个由业余钢琴家组成的音乐家庭，启蒙老师包括恩斯特·莫拉维克、雅各布·伊萨伊的学生菲尔明·图什、俄罗斯人亚历山大·沙伊切特以及彼得·里巴尔，而他的重要导师是音乐全才约瑟夫·梅尔廷，引导他走向古乐演奏的道路。1950年，梅尔库斯参与了梅尔廷领导的开创性维也纳古乐合奏团录制巴赫《勃兰登堡协奏曲》的工作，合作者包括尼古劳斯·哈农库特和古斯塔夫·莱昂hardt等早期音乐先驱。尽管他因使用颤音和现代乐器而受到古乐原教旨主义者的批评，但他的演奏风格将学术研究与音乐敏感性完美结合。他的演奏曲目涵盖从巴洛克、古典时期到现代作品，包括巴托克的《中提琴协奏曲》以及1962年首演的韦列兹小提琴协奏曲。使用包括1760年制的艾吉迪乌斯·克洛茨小提琴在内的古乐器，梅尔库斯尤其以1967年录制的比贝尔《神秘玫瑰经奏鸣曲》而闻名，被本文描述为'开创性的'和'最具感染力的'版本。

本文是《留声机》杂志2019年1月刊的编辑之选专题，展示了该杂志在2018年全年评论中精选的最优秀录音。这份精选列表涵盖了广泛的古典音乐曲目，从巴洛克时期的亨德尔到二十世纪的斯特拉文斯基和梅西安，展示了近期古典音乐发行的卓越品质。入选作品包括钢琴家基里尔·格尔斯坦、皮埃尔-洛朗·艾马尔和拉斯·沃格特，小提琴家克里斯蒂安·泰兹拉夫和阿莉莎·韦勒斯坦，以及奇罗布鲁斯科四重奏和科林·柯里小组等合奏团的高水平演奏。这份精选既强调经典杰作，也关注不太知名的作品，为听众提供了一份全面的年度最佳录音指南。

这篇2019年1月《留声机》杂志的专题聚焦四位重新定义古典钢琴演奏的当代钢琴家。文章《钢琴新世代》介绍了本杰明·格罗斯韦诺，他演奏舒尔茨-埃弗勒改编的约翰·施特劳斯《蓝色多瑙河》阿拉伯风格曲，展现了对钢琴演奏传统的深刻理解。伊戈尔·莱维特的布索尼改编李斯特《幻想曲与赋格》录音展示了他在保持流畅和细腻的同时阐明复杂音乐结构的卓越能力。比阿特丽斯·拉纳对舒曼《交响练习曲》的热情诠释，为她赢得了2013年范·克莱本比赛银牌，彰显了她丰富的音乐想象力和对音质保真的关注。王羽佳演奏的格鲁克/斯甘巴蒂《旋律》则展现了她延续如歌线条的非凡能力，配合灵活的速度处理和华丽的立体音色。这四位艺术家共同代表了当代钢琴家如何在传承古典遗产的同时，为经典曲目注入新鲜的创意视角。

这篇专题文章庆祝指挥家基里尔·卡拉比茨与伯恩茅斯交响乐团合作十周年，重点介绍他对大胆曲目安排和探索的执着。文章以马克-安东尼·图nage的《遗嘱》世界首演开场，这是一部由伯恩茅斯交响乐团和魏玛国家管弦乐团联合委约的新歌曲套曲，卡拉比茨称其与自己乌克兰血统有着深刻的个人联系。文章随后转向他录制的鲍里斯·利亚托申斯基的宏大第三交响曲（1951年），他认为这部作品与自己有着独特的渊源——他的作曲家父亲曾师从利亚托申斯基，而他的音乐学家母亲是研究这位作曲家作品的权威。文章探讨了卡拉比茨通过挑战性曲目与观众建立信任的理念，伯恩茅斯交响乐团曾演绎梅西安的《图兰伽利拉交响曲》、肖斯塔科维奇的第十四交响曲和普罗科菲耶夫的第二钢琴协奏曲，均获得热烈反响。卡拉比茨还讨论了他在魏玛国家管弦乐团兼任音乐总监的平行角色，以及他在那里指挥了李斯特未完成歌剧《萨丹纳帕洛》的世界首演，以及他与青年交响乐团"我，文化"的合作。

这篇专题文章发表于2019年1月出版的《留声机》杂志，聚焦于钢琴黄金时代的四位传奇演奏家所留下的珍贵录音遗产。文章标题为"惊叹于一切开始的地方"，深入探讨了这些大师独特的演奏风格和艺术魅力。伊格纳兹·弗里德曼1936年演奏的肖邦降E大调夜曲展现了他标志性的歌唱性旋律、微妙的速度处理和华丽饱满的音色。约瑟夫·霍夫曼1937年在纽约大都会歌剧院金禧音乐会上的肖邦《安魂曲与华丽波兰舞曲》演奏则展示了他轻松而富有想象力的技巧。本诺·莫伊谢伊维奇的1941年版李斯特《轻巧》录音彰显了他卓越的音色控制力和旧式魅力。谢尔盖·拉赫玛尼诺夫1929年演奏的舒曼《狂欢节》则体现了他无与伦比的速度变化和情感表达的自由度。这些录音共同为当代听众打开了一扇窗，让他们得以领略那个钢琴演奏技术与人文气质完美融合的黄金时代。

这篇专题文章探讨了丹尼尔·特里福诺夫、王羽佳、本杰明·格罗斯文纳和比阿特丽斯·拉纳等新生代钢琴家如何复兴19世纪浪漫主义钢琴演奏传统的美学价值观。作者杰德·迪斯特勒认为，这些年轻艺术家将黄金时代音色美、织体多样、文本自由和歌唱旋律等特征与现代精湛技巧相结合。文章将这些当代演奏家与约瑟夫·霍夫曼、本诺·莫伊谢维茨、阿图罗·贝内代蒂·米切朗杰利和弗拉基米尔·霍洛维茨等传奇钢琴家相提并论，强调他们的演奏重视个性而非字面诠释。特里福诺夫2013年在卡内基音乐厅的非凡首演被突出展示为浪漫主义钢琴演奏仍然活着的证据，而王羽佳的自由精神演绎和格罗斯文纳光彩夺目的巴赫演奏进一步证明了这一复兴。文章将这一趋势置于客观、忠实于文本的演奏风格主导20世纪后期钢琴表演的反动背景下，这一风格曾受阿尔蒂尔·施纳贝尔遗产的影响。

《留声机》2019年1月专题由詹姆斯·乔利执笔，以勃拉姆斯1878年的《小提琴协奏曲》为切入点。文中指出，正如贝多芬的《英雄交响曲》重新定义了交响曲，勃拉姆斯的这部协奏曲也把对小提琴家的技术和表现要求提升到一个全新的高度，在约阿希姆首演后逐渐成为曲目核心。早期的炫技大师们（如维尼亚夫斯基）曾被难倒，但作品最终获得了广泛认可。 乔利随后挑选了数部与该协奏曲相辅相成的作品：包括以其吉普赛风回旋曲闻名的《第一钢琴四重奏》、象征勃拉姆斯与约阿希姆和解的《双协奏曲》以及D小调的《第三小提琴奏鸣曲》，这些作品在主题或情感上均与协奏曲相互呼应。接着，他将目光投向约阿希姆本人的创作，重点介绍了难得一听的《第二小提琴协奏曲》和带有沙龙气息的《夜曲》，以及布鲁赫那首以匈牙利节奏为终曲的《第一小提琴协奏曲》。 文章还概述了更大规模的奥德-德国协奏曲，包括戈尔德马克1877年旋律丰富的作品、雷格尔时长近一小时的大型作品、欣德米特1939年的协奏曲以及勋伯格1936年的《十二音小提琴协奏曲》。在讨论这些作品时，乔利引用了多张值得关注的唱片，推荐卡瓦科斯与夏伊里合作的Decca版为勃拉姆斯协奏曲的首选，同时称赞阿尔格里奇、克雷默、巴什梅特与马伊斯基的DG钢琴四重奏以及卡普松兄弟的Erato《双协奏曲》为优秀的配套唱片。该专题旨在为听众提供一条在熟悉作品之外探索更广阔音乐天地的导览。

这篇《留声机》杂志文章聚焦女高音戴安娜·达姆劳，探讨她从莫扎特的《夜后》到纽约大都会歌剧院《茶花女》的非凡职业生涯。文章重点介绍她近期活动，包括在巴比肯艺术中心首演伊恩·贝尔的新作《隐藏之处》、在指挥家雅尼克·尼泽-塞甘执导下出演大都会歌剧院新版《茶花女》，以及为Erato唱片公司与男高音乔纳斯·考夫曼在12个城市巡演中录制雨果·沃尔夫的《意大利歌曲集》现场专辑。达姆劳阐述她的艺术理念，强调「音乐不是音量」，主张细腻、情感充沛的表演胜于哗众取宠。她谈论现代歌剧制作中舞台戏剧效果优先于音乐节奏的问题，并反思将肢体动作与歌唱技巧结合的表演方法。现年47岁、住在苏黎世的达姆劳将歌剧热情归功于12岁时在泽菲雷利导演的《茶花女》电影中听到特蕾莎·斯特拉塔斯的演唱，卡拉斯、萨瑟兰、格鲁伯罗娃和基娜·卡纳瓦也是她的重要影响来源。文章通过她与考夫曼合作的趣事展示她不受束缚的即兴表演风格，包括在沃尔夫艺术歌曲巡演中一个戏剧性驱动的动作。

《Gramophone》2019年1月期刊的专题聚焦冰岛作曲家索瓦尔兹多蒂尔，介绍她的生平与艺术理念。1977年出生于博尔加内斯，后在美国加州大学圣地亚哥分校学习作曲，曾获2012年北欧理事会音乐奖（作品《梦》）及2011、2012、2015年冰岛音乐奖。自2018年1月起，她担任冰岛交响乐团的驻团作曲家，此前则是纽约爱乐乐团的克拉维斯新锐作曲家，驻团期间完成了管弦乐作品《Metacosmos》。文章中附有作曲家亲自撰写的演奏提示，将长持续的音高比作需要小心翼翼捧在手中、在细绳上行走而不掉落的花，强调表演时必须保持绝对的宁静与高度集中。这一比喻体现了她在音色、时间与微妙变化之间的细腻把控，兼具静态的脆弱感与精准的演奏力度。专题文章指出，索瓦尔兹多蒂尔是当代冰岛音乐的领军人物，并强调其作品在国际舞台上日益增长的知名度。